Review Romeo and Juliet Asia Tour 2016 

There are stories that cross generations, time… Romeo and Juliet is one of them. It is timeless. It’s more than a two lover story born under a cursed star. It is a myth, a literary myth born out Shakespeare’s pen. We can also talk about a productive myth because the loving cliché (the famous « love at first sight ») goes far beyond this. It’s about two young people deeply in love with each other since the first sight and will kill themselves for that love. The story’s strength lies in this tragedy. To love so much that it kills you.This is why the work still fascinates nowadays and has became universal (movies, operas, plays, paintings, cartoons…). I was very lucky to witness Romeo and Juliet’s adaptation in Beijing during the Asian Tour 2016 made by Gerard Presgurvic. It’s a show, a true musical. It was played in french but subtitled in mandarin so that the Chinese audience could understand. The show had evolved in quite an impressive way since it’s first production, first show in 2001 in Paris, the coming back in 2010 and had been played often in Asia since 2007. All these productions with every time a different team and casting. The show I saw twice was played at  the Tianqiao Performing Art Centers which has a nice show room, quite classic. I was positioned on the 7th rank, it seems to me. Same place and same row for the twice
where I’ve seen the show. I had the honor to see the show for the first time alongside the « veronienne » elite : which means Gérard Presgurvic, Edouard Flamans, Valérie Masset. I’ll spare you my state when I sat in my place (oscillation between excitement, emotion, wonder…). I was going to see for the first time a show very important in musical history, a monument in a way ! I have not been disappointed in any case. It’s a beautiful show which is held. The show begins by

a musical opening and a voice – over which briefly leaves some clues on the framework and history of Romeo and Juliet. Then, the curtain opens, a single character on stage: La Mort ( embodied by the sublime Paulina Repcikova. It’s a relevant approach to start the show with this

protagonist. This role of La Mort can both be seen as an allegory of the inevitable fate but also as the silent spokesperson for the Choir (that manifest themselves in the classical tragedies in order to make a value judgement, preach a common view and deliver a maxim). This double echo 

returns star-crossed lovers born « the contrary stars slot ».  Following the opening, the first song « Vérone » begins. The beginning of a show is important and must therefore be attractive and catchy. This one is. It may be a detail but he is important,remarkable and significant. It is of the 

symbolism, shakespearean representations that must be respected and not forget because

it’s the signature of the work. What most interested the viewer is to know if the story has been observed and if we find all the elements for it is consistent. The answer is yes. There is, of course, the hatred of the two families, the marriage proposal of Count Paris, the meeting of Romeo and Juliet, their nascent love, their secret marriage, obstacles that prevent them from joining and of course their doomed fate. It is a lively show. There are many scenes with the set. I found that there was an alternation of scenes of dialogues and songs rather equal. According to me, the songs « Vérone », « La Haine », « La Demande en Mariage », « Tybalt », « Tu dois te marier » show the content and the extraordinary relevance of the show. The plot of Romeo and Juliet is well and precisely summarised. Of course, it is not a faithful adaptation retail close because this is a rewrite (based on the booklet). With Romeo and Juliet, anyway I think it’s hard to recreate the essence of the work. Already, the story of Shakespeare is that of a cliché in love, a cliché around hatred. It is a very stereotypical work ( we perceive it as such today). It is so complicated to have the necessary perspective to determine what is relevant, fair, consistent or not. It is a work that is changing with the times and the initiative to take liberties with it is not disturbing. For example, we observe « Juliet ageing » which would have only 14 in the original work. The musical apparently gives him 16 years « qu’est ce qu’on sait de l’amour quand on a que seize ans ? ». That said the Juliet of this year (Clémence Illiaquer) as well as his understudy (Stéphanie Schlesser) are older than 16 years. We choose an older artist for this role.  In the 21st century, it would be tricky to choose a 14 years old artist for the role since marriage at a young age is not anymore in our manners. That is why it will not work on the screen or represented on stage. That kind of detail that are evolving, which are modified don’t harm or don’t serve the myth of Romeo and Juliet but on contrary recognizes it as such, granted him an important place.It’s one of the reasons that this pretty scenic adaptation upset me. It is important to point out this musical of Gérard Presgurvic is relevant, at least the version I saw was. There were additions to songs like « Tu dois te marier », « La Reine Mab » (that occurs right after « Les Rois du Monde »). It is a show far from superficial, the ideas are there. We find in the musical really important elements of the work of Shakespeare : the presence of the stars especially found through the song « J’ai peur » : « que les étoiles qui nous guident un jour nous poussent au vide » ( belief in the Elizabethans that the stars control the human activity) ; the song « Les Beaux, Les Laids » is very interesting too because it suggests an alliance between the grotesque (« Les laids ») and the sublime ( « Les Beaux »). Actually, in Romeo and Juliet, the world of down and world upstairs mix. We find indeed scenes in the Capulet’s house but also in the public square like this song which is the moment when the nurse (respectable because she works for the Capulet) is mingled with the crowd. The first act is entirely consistent. I also really liked the second act. The choreographies are extremely precise by way of her execution. On to the music, it matches what please. It’s difficult to please universally but melodies of this show are a good example. The songs are quite simple but I think it is a charm of the musical. The booklet stands, scenes are grandiose… The staging is also commendable. I am quite convinced by the artistic choices. It’s not surprising that we learn at the end – when Benvolio introduces the characters – that the dancers dressed in blue are Montaigu and those dressed in red Capulet. However, the dancers aren’t only this. They also correspond to the ancient chorus as a sounding board for the passions spilled on the theatre. Compared to the play, the character of Tybalt has changed a bit him also. He is in love with Juliet as in Bellini’s opera ( « I Cappuletti e i Montecchi »). And then there is this idea that is for me the best of this show, that is only a reason to go see the show. This may seem a detail but it is for me the apotheosis… It is of course dumb and allegorical character : La Mort embodying the destiny. If there is a complaint I have to address against the show, it is the removal of the character La Muette who represents exactly the same symbolism than La Mort if not more. It is certain in any case that this version of the show is superb. She seduced by the choice of staging, songs, artists but also by the richness of the means deployed. It’s really a complete show. I red in a book about musical of 2001 « Remains to be seen if the music will survive. It is permissible to doubt ». Today, in 2017, I am very proud to be able to contradict this theory. 16 years after, the music has indeed survived. It is no longer permitted to doubt… Finally, I must mention the cast. For my part, he remains one of the best features of the show. I want to congratulate all of the singers who reach artistic heights. Except John Eyzen, Frédéric Charter and Stéphanie Schlesser, the others did not had the opportunity to play this show before (at least not as the main roles). I think it’s a little hard to play a musical who has not ceased to play during 15 years. Must necessarily think to bring a singularity to the role without however too far away from what is expected. Congratulations to all for achieving this challenge easily ! You can be very proud of you. Personally, you have all seduced me. You are for me the best cast of Romeo and Juliet. There is no inequality in distribution. You know how to play, talk and keep you on stage, it is of course essential and you have all little particularities that I could raise and that I enjoyed.
Alexis Loizon is undoubtedly the best Romeo. He’s right, charismatic.  He keep well the role physically and the character of the melancholy lover, a tortured soul, follower of the petrarquisme (lover suffering of the no-reciprocity of feelings of the lady he’s wooing : Rosaline).

Clémence Illiaquer is the best Juliet. She has genuinely a nightingale’s voice, an angel voice that makes you dream and to enchant. Mr Gérard Presgurvic told me a thing that made me think a lot about her. It’s an international scoop. Clémence – he told me –   has an air of Vivian Leigh. I am also convinced and to have something of Vivian Leigh, it is the assurance to be a very great artist. Clémence defends her Juliet with fever and fervor, of her graceful gesture to her beautiful expressive look where the storm or the love reigns. She is the perfect chord  that leads for a divine symphony. The duo Alexis Loizon/ Clémence Illiaquer works very well. They are both physically speaking very close to the representation that we could imagine 

Romeo and Juliet. Just as well physically as morally, we find a certain candor. Alchemy works and their compatibility is amazing.

Grégory Gonel is an outstanding artist. He has this sincere and touching sensibility expected of the character. Grégory was able to grasp the essence and soul of Benvolio more closely. His interpretation was beautiful. This Benvolio is prodigious and sets the bar very high.

Nicolas Turconi interprets Tybalt and really dazzled me. There is so much the character ! I found that it was the role of his life as he was charismatic ! He has a disarming mastery. It should be know that Tybalt is characterized in the works of Shakespeare as prince of cats. He therefore plays a lot on a feline gait. He does it very well because he has played in Cats but also more simply because he’s dancer or even acrobat. He impressed me by his work on the character. Tybalt is one of my favorite character because he is animated by passions. His soul is consumed by the desire, the conquest, revenge, fame and love. All this fire is nice to see on stage. This moment where he jumps from a high structure (I would say at least 4 meters) struck me so much because he received perfectly. The cat lands on his paws ! 

Barbara Sonnino is stunning in the role of the Nurse. It is a pleasure to have seen on stage. The quality of the acting is there. On her face, the gentleness and kindness read. Her interpretation reached such a degree accuracy that I wondered if this wasn’t her authentic character. She is also wonderful singing. She has a  voice at once powerful and captivating.

Regarding Juliette Moraine, I loved having for second Nurse. She is great in singing. I liked her strong and live stage presence. Her interpretation was very dynamic.

It was a nice surprise to see Stéphanie Schlesser in Juliet. What I remember especially are vocal performances that were really superb. Listening again my recordings of the show, I am surprised sometimes to confuse her voice with Clémence because she did something very nice also.

John Eyzen is heavenly in Mercutio. We will all agree. He is so much in character that we wonder  if it is not Mercutio who takes possession of John rather than the reverse. John loves his character. It’s felt on stage because he takes care to fade in order to let the dreamer Mercutio express himself.

Didier Hayat was great in the role of Frère Laurent. His voice sticks to the character. I think that we couldn’t dreaming better than Didier for this role. For Frédéric Charter who is Le Prince, I liked his stage performances that are impeccable. Likely, since this is Romeo and Juliet’s dean, there is nothing objectionable about. 

Roland Karl is truly magical in the role of the Count Capulet. Moniek Boersma is divine in Lady Capulet. She has grace, talent and charisma. I love the song « Tu dois te marier » and with Moniek, it makes sens because it’s a wonderful performer.

For the dancers, they are all exquisite and I’d really like to list them all. I think to Patrik Scanoscvic, who has a lot of charisma, which holds very well the role of the young Paris. I think of Paulina Repcikova who is a beautiful dancer. I was blown away by her performances. I’m really impressed. I think about my favorite dancers : Pavel and Roberta. I don’t have justifications to this, I was just touched by their live performances. Of course, congratulation to all dancers : Simona, Riccardo, Michal, Michaela K, Michaela B, Zuzana, Viera, Vincenzo, Gianluca, Antonio, Martina, Valeria, Filip et Jan. They are delightful.


Critique Roméo et Juliette Asia Tour 2016

15726789_1248041955241450_6701064894524390677_nIl est des histoires qui traversent les générations, les époques… C’est le cas de celle de Roméo et Juliette. Elle est devenue intemporelle. C’est bien plus que l’histoire de deux amants nés sous une étoile maudite. C’est un mythe, un mythe littéraire puisqu’il prend en effet naissance sous la plume de Shakespeare. On parle aussi d’un mythe productif puisque l’histoire du cliché amoureux (du fameux coup de foudre) va bien au delà de ça : deux jeunes gens qui s’aiment éperdument dès le premier regard se donnent la mort par amour. La force de l’oeuvre réside dans cette tragédie. Aimer en point d’en mourir. C’est pour cela que l’oeuvre continue de fasciner. Roméo et Juliette est un mythe qui est devenu universel de nos jours (films, opéras, pièces de théâtre, peintures, dessins animés…). J’ai eu la chance de découvrir une adaptation de Roméo et Juliette à Pékin qui est celle de Gérard Presgurvic. C’est un spectacle, plus précisément une comédie musicale. Il s’agissait de l’Asia Tour 2016. Le show se jouait en français, sous-titré en mandarin pour les chinois. Il a connu une évolution assez imposante, s’étant joué pour la toute première fois à Paris en 2001 pour y revenir en 2010 et se jouant très régulièrement en Asie depuis 2007. Tout ceci s’est bien évidemment fait avec des castings différents. Le spectacle que je suis allée voir deux fois se jouait au Tianqiao Perfoming Art Centers. C’est une jolie salle de spectacle, assez classique. J’étais placée au 7eme rang il me semble. Même place et même rangée pour les deux fois où j’ai vu le spectacle. J’ai eu l’honneur de voir le spectacle pour la toute première fois aux côtés de l’élite « véronienne » : c’est à dire Gérard Presgurvic, Edouard Flamans, Valérie Masset. Je vous épargne mon état lorsque je me suis assise à ma place (oscillation entre fébrilité, émotion, émerveillement…).  J’allais voir pour la première fois un spectacle très important dans l’histoire de la comédie musicale, un monument en quelque sorte ! Je n’ai pas été déçue en tout cas. C’est un beau spectacle qui se tient. Il débute par une ouverture musicale et une voix off qui brièvement laisse planer quelques indices sur le cadre et l’histoire de Roméo et Juliette. Puis le rideau s’ouvre, un seul personnage en scène La Mort (incarnée par la sublime Paulina Repcikova). C’est une approche pertinente de débuter le show avec ce personnage. Ce rôle de La Mort peut être à la fois perçu comme une allégorie du destin inéluctable mais aussi comme le porte parole silencieux du Choeur (qui dans les tragédies classiques se manifeste afin de porter un jugement de valeur, prêcher une opinion commune et délivrer une maxime). Ce double écho renvoie aux amants maudits nés « sous des étoiles contraires ». A la suite de l’ouverture, la première chanson « Vérone » commence. Tout début d’un show est important et se doit par conséquent d’être attrayant et accrocheur. Celui ci l’est. C’est peut être un détail mais il est important, remarquable et appréciable. Cela relève de la symbolique, des images shakespeariennes qu’il faut respecter et ne pas oublier parce qu’il s’agit de la signature même de l’oeuvre. Ce qui intéresse certainement le plus le spectateur est de savoir si l’histoire a été respecté et si on retrouve tous les éléments pour que cela concorde. La réponse est oui. On retrouve bien la haine des deux familles, la demande en mariage du Comte Paris, la rencontre de Roméo et Juliette, leur amour naissant, leur mariage secret, les obstacles qui les empêchent de se rejoindre et bien évidemment leur funeste destin.  C’est un spectacle très vivant. Il y a beaucoup de scènes d’ensembles. J’ai trouvé qu’il y avait une alternance de scènes de dialogues et de chansons plutôt égales. Selon moi, les chansons « Vérone », « La Haine » , « La demande en mariage » , « Tybalt » , « Tu dois te marier » témoignent bien de la teneur et de la pertinence inouïe du spectacle. L’intrigue de Roméo et Juliette est bien et justement résumé. Il ne s’agit bien évidemment pas d’une adaptation fidèle au détail près étant donnée qu’il s’agit d’une réécriture (si on se base sur le livret). Avec Roméo et Juliette, je pense de toute façon qu’il est difficile de pouvoir recréer la quintessence même de l’oeuvre. Déjà, l’histoire de Shakespeare est celle d’un cliché amoureux, d’un cliché autour de la haine. C’est une oeuvre très stéréotypée (nous le percevons comme tel aujourd’hui). Il est donc par conséquent compliqué d’avoir le recul nécessaire pour déterminer ce qui est pertinent, juste, conforme ou non. C’est une oeuvre qui évolue avec son temps et l’initiative de prendre des libertés avec elle n’est pas dérangeante. Par exemple, on observe un « vieillissement » de Juliette qui n’aurait que 14 ans dans l’oeuvre originale. La comédie musicale elle, lui donne apparemment 16 ans « qu’est ce qu’on sait de l’amour quand on a que seize ans ? ». Ceci dit la Juliette de cette année (Clémence Illiaquer) ainsi que sa doublure (Stéphanie Schlesser) sont plus âgées que 16 ans. On choisit une artiste plus âgée pour ce rôle. Au XXIeme s, il serait délicat de choisir une artiste de 14 ans pour le rôle puisque le mariage à un aussi jeune âge n’est plus dans nos moeurs. C’est pour cela que ça ne pourra pas fonctionner à l’écran ou représenté sur scène. Ce genre de détails qui évoluent, qui sont modifiés ne nuisent pas ou ne desservent par le mythe de Roméo et Juliette mais bien au contraire le reconnaît en tant que tel, lui accorde une place importante. C’est une des raisons pour laquelle cette jolie adaptation scénique m’a bouleversée. Il me tient à coeur de souligner que cette comédie musicale de Gérard Presgurvic est pertinente, en tout cas la version que j’ai vu l’était. Il y a eu des ajouts de chansons comme « Tu dois te marier », « La reine Mab » (qui survient juste après « Les Rois du Monde »). C’est un show loin d’être superficiel, les idées sont là. On retrouve dans la comédie musicale des éléments vraiment importants de l’oeuvre de Shakespeare : La présence des astres notamment qu’on retrouve à travers la chanson « j’ai peur »  : « que les étoiles qui nous guident un jour nous poussent au vide »(croyance chez les élisabéthains selon laquelle les astres contrôlent l’activité humaine).; la chanson « les beaux/ les laids » est très intéressante aussi parce qu’elle suggère l’alliance entre le grotesque (les laids) et le sublime (les beaux). En effet, le monde d’en bas et le monde d’en haut se mélangent. On retrouve en effet des tableaux dans la maison des Capulet mais aussi sur la place publique comme cette chanson qui est le moment où la nourrice (respectable parce qu’elle travaille pour les Capulet) est mêlée à la foule.  Le premier acte est tout à fait cohérent. J’ai également beaucoup aimé le deuxième acte. Les chorégraphies sont extrêmement précises de par son exécution. Quant à la musique, elle correspond bien à ce qui plaît. C’est difficile de plaire universellement mais les mélodies  de ce show en sont un bon exemple. Les chansons sont assez simples mais je trouve que c’est un charme de la comédie musicale. Le livret se tient, les tableaux sont grandioses… La mise en scène est elle aussi louable. Je suis tout à fait convaincue par les choix artistiques. C’est sans surprise qu’on apprend lors du salut final – lorsque Benvolio présente les personnages – que les danseurs vêtus de bleu sont Montaigu et ceux vêtus de rouge Capulet. Cependant, les danseurs ne sont pas uniquement cela. Ils correspondent aussi au choeur antique en tant que caisse de résonance des passions déversées sur le théâtre. Par rapport à la pièce, le caractère de Tybalt a un peu changé lui aussi. Il se trouve amoureux de Juliette comme dans l’opéra de Bellini (« I Capuletti e i Montecchi »). Et puis il y a cette idée qui est pour moi la meilleure de ce spectacle, qui constitue à elle seule une raison d’aller voir le spectacle. Cela peut paraître un détail mais c’ est pour moi l’apothéose… Il s’agit bien sûr du personnage muet et allégorique : la Mort incarnant la destinée. S’il y a un reproche que je dois adresser à l’encontre  du show, c’est la suppression du personnage La Muette qui représente exactement la même symbolique que La Mort si ce n’est plus encore. Il est certain en tout cas que cette version du spectacle est superbe. Elle séduit par les choix de mises en scène, les chansons, les artistes mais aussi par la richesse des moyens déployés. C’est vraiment un spectacle total. J‘ai lu dans un ouvrage à propos de la comédie musicale de 2001 « Reste à savoir si la musique survivra. Il est permis d’en douter ». Aujourd’hui en 2017, je suis très fière de pouvoir contredire cette théorie. 16 ans après, la musique a bel et bien survécu. Il n’est plus permis d’en douter… En dernier lieu, il me faut évoquer le casting. Pour ma part, il reste un des meilleurs atouts du spectacle. Je tiens à féliciter l’ensemble des chanteurs qui atteignent des sommets artistiques. Excepté John Eyzen, Frédéric Charter et Stéphanie Schlesser, les autres n’avaient pas eu l’occasion de jouer ce spectacle auparavant (du moins pas en tant que rôles principaux). Je pense qu’il est un peu difficile de jouer une comédie musicale qui n’a cessé de se jouer pendant 15 ans. Il faut forcément penser à apporter une singularité au rôle sans toutefois trop s’éloigner de ce qui est attendu. Un grand bravo à eux pour avoir réussi ce défi haut la main ! Ils peuvent être très fiers d’eux. Personnellement, ils m’ont tous séduite. C’est pour moi le meilleur casting de Roméo et Juliette. Il n’y pas d’inégalité dans la distribution. Ils savent jouer, parler et se tenir sur scène, c’est bien sûr l’essentiel et ils ont tous des petites particularités que j’ai pu relever et que j’ai beaucoup apprécié.

Alexis Loizon est incontestablement le meilleur Roméo de toutes les versions réunis de cette comédie musicale. Il est juste, charismatique.  Il tient bien le rôle physiquement et le caractère de l’amoureux mélancolique, d’une âme torturé, adepte du pétrarquisme (amant souffrant de la non réciprocité des sentiments de la dame qu’il courtise : Rosaline).

Clémence Illaquier : Il s’agit de la meilleure Juliette. Elle a bel et bien une voix de rossignol, une voix d’ange qui fait rêver.  Mr Gérard Presgurvic m’a dit une chose qui m’a fait beaucoup réfléchir à son sujet. C’est un scoop international. Clémence m’a t’il dit a un air de Vivian Leigh. J’en suis également convaincue et avoir quelque chose de Vivian Leigh, c’est l’assurance d’être une très grande artiste. Clémence défend sa Juliette avec fièvre et ferveur, de sa gracieuse gestuelle jusqu’à son beau regard expressif où règne tantôt l’orage ou l’amour. Clémence est l’accord parfait qui mène à l’harmonie pour une divine symphonie.  Le duo Alexis Loizon/ Clémence Illiaquer fonctionne très bien. Ils sont tous les deux physiquement parlant très proche de la représentation qu’on peut s’imaginer de Roméo et Juliette. Aussi bien physiquement que moralement, on retrouve une certaine candeur. L’alchimie fonctionne et leur compatibilité est incroyable.

Grégory Gonel est un artiste hors-pair. Il a cette sensibilité touchante et sincère qu’on attend du personnage. Grégory a su saisir l’essence et l’âme de Benvolio au plus près. Son interprétation était magnifique. Ce Benvolio est prodigieux et place la barre très haut.

Nicolas Turconi interprète Tybalt et m’a vraiment éblouie. Il correspond tellement au personnage ! J’ai trouvé que c’était le rôle de sa vie tant il était charismatique ! Il en a une maitrise désarmante. Il faut savoir que Tybalt est caractérisé dans l’oeuvre de Shakespeare comme prince des chats. Il joue donc pas mal sur une allure féline.  Il le fait très bien parce qu’il a joué dans Cats mais aussi plus simplement parce qu’il est danseur voire… acrobate ! l m’a impressionnée de par son travail sur le personnage. Tybalt est un de mes personnages préférés parce qu’il est animé par ses passions. Son âme est embrasée par le désir, la conquête, la vengeance, la gloire et l’amour. Toute cette fougue est plaisante à voir sur scène. Ce moment où il saute d’une structure assez haute (au moins quatre mètres je dirais) m’a beaucoup marquée parce qu’il se réceptionne parfaitement. Le chat retombe sur ses pattes !

Barbara Sonnino : Barbara est époustouflante dans le rôle de la Nourrice. C’est un plaisir de l’avoir vue sur scène. La qualité du jeu est là. Sur son visage, la douceur et la bonté se lisent. Son interprétation atteint un tel degré de justesse que je me suis demandée si ce n’était pas son caractère authentique. Elle est merveilleuse au chant également. Elle a une voix à la fois puissante et envoûtante.

En ce qui concerne Juliette Moraine, j’ai adoré l’avoir pour deuxième Nourrice. Elle est excellente en chant. J’ai beaucoup aimé sa présence scénique assez forte et vive. Son interprétation était très dynamique.

C’était une belle surprise d’avoir pu voir Stéphanie Schlesser en Juliette. Ce que je retiens surtout sont ses performances vocales qui étaient vraiment superbes. En réécoutant mes enregistrements du show, je me surprends parfois à confondre son brin de voix avec celui de Clémence parce qu’elle en fait quelque chose de très joli également.

John Eyzen est divin en Mercutio. On s’y accordera tous. Il habite tant son personnage à tel point qu’on se demande si ce n’est pas Mercutio qui prend possession de John plutôt que l’inverse. John aime son personnage. Cela se ressent sur scène parce qu’il prend soin de s’effacer afin de laisser le rêveur Mercutio s’exprimer.

Didier Hayat a été formidable dans le rôle de Frère Laurent. Sa voix colle au personnage. Je pense qu’on ne pouvait pas rêver mieux que Didier pour ce rôle. Pour Frédéric Charter qui est Le Prince, j’ai aimé ses prestations qui étaient impeccables. Vu qu’il s’agit vraisemblablement du doyen de Roméo et Juliette, on ne peut rien y trouver à redire. Brigitte tient le rôle de Lady Montaigu. Elle a une voix extraordinaire. On ne pouvait rêver mieux qu’elle pour ce rôle. Elle est indispensable à ce spectacle. C’est une très grande artiste. Toutes ses entrées en scène étaient magistrales. Elle fait vivre son personnage corps et âme. Brigitte est transcendante en Lady Montaigu.

Roland Karl est vraiment magique dans le rôle du Comte Capulet. Moniek Boersma l’est tout autant en Lady Capulet. Elle possède la grâce, le talent et le charisme. J’adore la chanson « Tu dois te marier »  et avec Moniek, elle prend tout son sens parce que c’est une merveilleuse interprète.

Concernant les danseurs, j’aimerais vraiment tous les citer parce qu’ils ont tous beaucoup de mérite. Je pense à Patrik Scanoscvic qui a beaucoup de charisme, qui tient très bien le rôle du jeune Paris. Je pense à Paulina Repcikova qui est une danseuse magnifique. J’ai été éblouie par ses performances. Je suis vraiment très impressionnée. Je pense à mes danseurs favoris : Pavel et Roberta. Je n’ai pas de justifications à apporter à cela, j’ai juste été touché par leurs performances scéniques. Naturellement, bravo à tous les autres danseurs : Simona, Riccardo, Michal, Michaela K, Michaela B, Zuzana, Viera, Vincenzo, Gianluca, Antonio, Martina, Valeria, Filip et Jan.

La littérature est névrose

J’ai eu ce sujet dans le cadre d’un débat. Le discours que je tiens ici est par conséquent subjectif. Je n’aurais pas été aussi réductrice sinon. Cependant, être subjectif ne signifie pas pour autant inintéressant.


Roland Barthes a dit « La littérature est névrose. S’il n’y a pas névrose, il n’y a pas littérature. La santé n’est ni poétique ni littéraire ». Je crois moi aussi que la littérature est névrose. La littérature, c’est avant tout des mots, c’est un langage. La vie est pareille. Ce sont des mots aussi qu’on prononce de manière spontanée. Je pense que c’est grâce à la littérature qu’on se forge en tant qu’être. En tant que lecteurs, la littérature nous aide non pas à recouvrer la santé mais à appréhender touts les éléments du monde qui nous entourent, à percevoir la vie d’une autre manière bien plus profonde et plus obscure. En tant qu’écrivain, la littérature est davantage névrose. Et je suis entièrement d’accord avec cela parce que moi aussi j’écris et je le ressens comme ça. Pour moi, la littérature est complexe. Ce n’est pas une discipline qu’on doit traiter avec légèreté, avec frivolité. Cela doit être avant tout une torture psychologique. C’est une grande entreprise que de se mettre à écrire et il faut ressentir le fait d’écrire comme un honneur. Chaque mot couché sur le papier doit nous inspirer le plus grand respect. L’écriture doit être une souffrance. Il faut pouvoir pleurer à propos des mots que l’on écrit pour créer de l’art, de l’harmonie. C’est dans la souffrance seule que nos écrits deviennent beaux. Dire que la littérature est névrose, c’est la respecter. C’est très important parce que la littérature est un héritage précieux qui a traversé les siècles. Aujourd’hui beaucoup de gens pensent qu’ils peuvent écrire mais ceux qui le pensent justement sont les moins névrosés. Ils écrivent et pour eux c’est un vulgaire passe temps. Ils s’en tiennent à la surface des choses et ne peuvent sonder leur âme pour y extirper quelque vérité. Ce sont des imposteurs se portant bien, écrivant sereinement et tranquillement. Il ne faut pas penser pouvoir écrire mais le ressentir. Ce sont ceux là qui sont névrosés. A partir du moment où l’âme est en souffrance, cela fonctionne. Même lorsqu’il s’agit d’écrire à propos du bonheur, il faut être joyeux au point de souffrir de cette exultation soudaine pour parvenir à écrire de la littérature. La névrose, c’est avant tout une réflexion sur soi même et c’est pour cela que l’écriture spontanée qui ne peut être associée qu’à l’humeur et donc à la bonne santé est peu recommandable. Si l’écriture n’est pas névrose pour l’écrivain, le lecteur ne pourra point ressentir cette névrose non existante. Il ne pourra pas être béat d’admiration et se dire « ça c’est de la littérature ».  En conséquence, la littérature doit être intérieure et profonde. Elle doit être un symbole de notre âme, de notre vie, de nos passions et tout cela ne peut être accomplit qu’à la condition d’une méditation, une méditation longue et douloureuse.

Critique Cats

Scrupuleusement intelligent… Avez-vous déjà observé ses pupilles pour appréhender son comportement ? Révélateur… N’est ce pas ? Flegmatique, tranquille, indépendant, solitaire…Le chat est absolument fascinant. Vénéré dans l’Egypte ancienne mais symbole de sorcellerie au Moyen Age, nous sommes aujourd’hui pris d’affection pour cet animal.

J’ai eu l’honneur de voir Cats le 19 septembre. L’appréhension était bien là parce que j’attendais ce musical depuis 7 mois. J’étais émue de revenir à Mogador en sachant que j’allais m’attacher au spectacle… Très probablement. Lorsque je suis entrée dans la salle, je me suis sentie petite, minuscule parce que la première et l’unique chose qui m’a préoccupée pendant quinze minutes, c’est le décor qui s’étendait devant, au dessous de moi. Le décor est un amas de bric à brac. C’est une masse de choses qui semble être l’Olympe du félin ; c’est le corps tout entier vital à la survie du Jellicle Cat. Au milieu se dresse la lune éminente divinisée par les chats. Le théâtre s’est transformé en une immense décharge. L’assemblage, l’accumulation, le positionnement des objets apparaît comme un négligé harmonieux. Le décor grimpe jusqu’aux loges. Celui ci a été surdimensionné parce que l’œil du chat ne perçoit pas la vie autour de lui de la même manière qu’un humain. Le public le ressent plus ou moins et s’y sent complètement intégré. Le spectacle commence et les trémolos de l’orchestre nous embarquent pour une danse infinie. Les chats surgissent de nulle part dans le public et de leur féline démarche vous effleurent.

Les tableaux sont tous spectaculaires. Dans sa globalité, la partie plus intéressante du show se situe à la toute fin. Ce qui me fascine le plus dans le spectacle, c’est la façon dont il a été construit. Au tout début, il s’agit de présenter le Jellicle Cat. Qu’est ce qu’un Jellicle Cat donc ? L’intrigue s’installe doucement. Apparaît donc ici le personnage de Victoria, chatte blanche. Peut être est elle représentative de l’éveil du Jellicle cat puisqu’on peut la voir s’étirer avec toute la majesté d’un chat. Et puis les sens de Victoria s’éveillent comme si son sixième sens lui avait indiqué qu’un événement important se préparait. Il s’agit de l’invitation au bal. Munkustrap, chef de la cité quand le vieux Deutéronome n’est pas là et qui plus est conteur de l’épopée des chats prend la parole solennellement. Il déclare qu’on s’apprête à procéder au « jellic’ultime choix » : il s’agit d’une cérémonie qui permettra à un seul et unique chat d’accéder à la Jellicosphère  » les Jellicle une fois par an se donnent tous rendez vous au grand bal des chats […] le vieux Deutéronome […] va faire taire le silence et puis sans plus attendre choisira le chat qui va revivre enfin, car ce chat dès demain, renaîtra de ses cendres […] Qui est l’élu ? » . C’est le moment-clé du spectacle. On sait donc à partir de cet instant qu’un chat se distinguera des autres. Avant cela, c’est vrai que les premières minutes du show peuvent laisser perplexe le public s’il ne connaît pas Cats. En revanche, une fois que l’on a cerné ce sur quoi se base la tension du spectacle, il n’y a normalement plus de problèmes avec la compréhension de l’histoire. En troisième temps, il y a la présentation des chats. Enfin, quatrième temps, l’identité de l’élu(e) est révélée. Je m’attarde sur la construction puisqu’elle est davantage essentielle dans CATS il me semble.

Cats est un musical différent dans sa construction justement. C’est un spectacle qui possède une dimension poétique importante. Cela plaît et déplaît à la fois. C’est subtil. Le public peut se perdre facilement et c’est pour cette raison que ce n’est pas apprécié par tous.  Je conseille donc à ceux qui n’ont pas encore vu le spectacle d’y aller l’esprit détaché sans à priori. Allez-y l’esprit ouvert. Il serait dommage de ne pas apprécier ce musical exceptionnel simplement parce que c’est « déroutant », d’autant plus que c’est un des plus grands succès du monde entier ainsi qu’un classique de la comédie musicale. C’est un spectacle aussi, où le théâtre est absent. En revanche, ce manque a été compensé. En effet, on retrouve la dimension théâtrale à travers la poétique. Ce thème poétique est très important notamment dès le premier tableau Jellichansons pour Jellicles Cats avec la partie « Baptiser un chat » :  » Vous penserez sans doute que chez moi ça ne tourne pas rond si je vous dis qu’un chat a trois noms bien distincts « . Là, nous avons droit au plus merveilleux récital qui soit ! Cette poésie est la particularité du show et c’en est un des points forts. J’aime beaucoup cette ambiance en tout cas…

Pendant 2h30, aucune relâche. Les chats nous éblouissent tous, et le niveau de danse mérite d’être souligné. C’est très intense et physique.  » Jellichansons pour Jellicle Cats » en atteste. Époustouflant. Il y a un savoir- faire professionnel si méticuleux. Il s’agit là d’une volonté de nous faire remarquer la mise en scène surprenante, intelligente, harmonieuse, techniquement parfaite. L’originalité de ce show commence bien évidemment avec « Jellichansons ». Puis il y a « baptiser un chat » et l’invitation au bal. L’intrigue se met progressivement en place. Les tableaux se succèdent et on remarque que pour chacun d’entre eux, on nous dévoile un nouvel aspect du show. On nous propose des thèmes plutôt diversifiés. Les Jellicles cats nous font voyager et en chemin, on croise des chats hors du commun, qui possèdent le sens de l’humour (Jennychatoyante, Rum Tum Tugger, Bustopher Jones), qui sont malicieux (Skimbleshanks), espiègles (Mungojerrie et Rumpleteazer), sages (le vieux Deutéronome), terrifiants (Macavity, Growltiger, chats siamois), joyeux (Munkustrap, Bill Bailey, Jellicle cats en général), nostalgiques (Grizabella), magiciens (Mistoffelees)…

J’ai fait un très beau voyage en compagnie de tous les Jellicle Cats mais croiser la route des chats voleurs et stationner chez Skimbleshanks m’a bien plu. J’adore ces chats espiègles, malicieux, joyeux en quête d’aventure. Cependant, j’avoue préférer l’univers de Skimbleshanks qui nous embarque pour un périple complètement fou (avec un doigt de whisky ?!). Je tiens à féliciter les auteurs qui m’ont transporté avec ces belles images bohémiennes, vagabondes d’ailleurs, de n’importe où pourvu que ce soit sur les routes…

La fin du musical est abondamment riche, avec une résonnance considérable surtout avec la dernière chanson « Parler le chat ». Quelle fin détonante et raffinée ! C’est bien plus qu’une conclusion,  il y a une intention bien plus marquée que de dire seulement « nous vous avons montré nos chats ». C’est moins superficiel de parler de caviar ou de pot de crème qu’il n’y parait. Bien au contraire, c’est subtil, intelligent.  Cette dernière chanson apparait donc ici comme une morale. Au travers de ce musical, les mœurs, les caractères des chats ont été mis en avant.  La maxime de ce musical est l’acceptation de l’autre aussi différent soit il. Et c’est valable pour nous et pas tellement que ça finalement pour les chats. Le chat ici est l’allégorie des instincts bestiaux (aucune connotation négative ici, il y a de bons instincts comme de mauvais!).  L’animal que ce soit un chat ou non à un rapport différent face au monde qui l’entoure (constante névrose notamment)  et ne sait pas ce que représente la  notion de tolérance.  C’est donc ici une invitation à réfléchir à nos actes afin de reconnaitre l’autre quel qu’il soit en tant qu’égal c’est-à-dire l’accueillir et le recevoir chaleureusement.

Je tiens à féliciter Ludovic- Alexandre Vidal et Nicolas Nebot qui sont les auteurs de ce spectacle. Il fallait que Cats apparaisse comme flambant neuf. Donc la version de 89 n’a pas été appelé pour cela. J’ai lu le Guide du vieil opossum des chats. On y voit non pas des ressemblances mais des échos. Ils ont  tout deux réussi à articuler Cats en écho avec ces poèmes justement et je suis admirative de la manière dont ils s’y sont pris. Ils en ont extrait l’essence, juste gardé l’esprit ainsi que son style. Ils ont fait un travail de réécriture remarquable. Cette lecture du recueil en tout cas a été très instructive. Elle m’a permis d’enrichir mes connaissances sur les Jellicle Cats. On peut d’ailleurs noter  l’absence de la chatte rejetée par les siens, Grizabella. Cela n’altère en aucun le charme des poèmes. En revanche dans le musical, c’est le personnage qui est pour l’intrigue toute la saveur de Cats.

Voilà ce qu’est le musical Cats. J’aimerai pour terminer parler du casting. Cette pensée me fait frémir et c’est beaucoup d’émotion puisque je puis vous assurer que la distribution est incroyable. Il y a une homogénéité dans la troupe qui me semble assez bluffante. Ce sont tous des perles rares. Deux artistes ont particulièrement attirés mon attention et m’ont littéralement envoûtés ! Je commencerai par Vanessa Cailhol (Rumpleteazer). C’est un enchantement tout simplement. Quel charisme ! Personnellement, c’est mon rayon de soleil du premier acte.

Sylvain Mathis est un présent pour ce musical… Sincèrement ! Quelle sincérité scénique ! Il est impossible également de faire l’impasse sur sa voix. Je suis vraiment impressionnée par ses performances vocales. C’est mon rayon de soleil du deuxième acte. Un immense bravo à ces deux personnes ! Je tenais à les mettre à l’honneur et ça ne veut pas dire que le reste du cast ne vaut rien ! Loin de là. Mais pour moi ce sont ces deux chats qui m’ont bouleversé!

Les autres félins sont tous aussi exquis :

Je commencerai par la femme fatale de ce show, la sensualité incarnée, la grande …. Prisca Demarez ! Oui, elle est tout ça sur scène ! Je ne suis pas une grande fan du morceau « ma vie » mais de ce que j’ai pu voir le public est conquis par cette chanson, c’est je crois la plus applaudie du spectacle. Ce dont je suis davantage sûre, c’est qu’on ne peut pas être insensible à son charme, à sa douceur. J’aime énormément sa partie chantée sur « la chanson de Grizabella » (« voyez cette ombre… ») . Elle a une fragilité, une sensibilité délicate et cela se ressent dans son interprétation.
Le Vieux Deutéronome interprété par Pierre Yves Duchesne est tout simplement génial ! Cela lui sied très bien ! Deutéronome me transperce à la toute fin avec la chanson « Parler le chat». Il y a une force qui s’empare de lui à ce moment là à tel point que j’ai été convaincu par ce qu’il disait (présence, voix, ton…). J’ai été captivé, hypnotisé.
La première fois que j’ai vu Cats, j’ai oublié que c’était Golan Yosef qui était Rum Tum Tugger. Quel choc quand je m’en suis souvenue !  C’est le rôle de sa vie ! Clairement.  Je ne pensais pas adhérer à son parti et finalement si.  C’est un grand numéro que celui du chat rappeur et son phrasé est parfait.
Yoan Grosjean (Bill Bailey) est un danseur exceptionnel et j’aime énormément sa façon d’être un chat, très enjoué. J’aurais aimé l’entendre chanter davantage.
Katharina Lochman (Jennychatoyante/Chat Pouffi) est fraiche, pétillante et j’adore son chat –risme ?!
Leonie Thoms (Jellylorum) a un grain de voix absolument sublime et quel port, quel maintien… je suis fan.
Stoyan Zmarzlik est Mungojerrie. Quel danseur….. épicé !  Je n’ai rien à redire à ses prestations impeccables. Au niveau du chant, quel révélation ! Ses belles prouesses vocales j’espère lui permettront d’aller loin. J’ai été convaincue. Le rôle lui convient parfaitement.
Lucas Radziejewski est Coricopat. Ce danseur est une merveille, un prodige pour Cats.   C’est un rôle taillé pour lui et quel épanouissement !
Grégory Gonel (Alonzo et Pharnaum) est un danseur admirable, sublime qui me touche beaucoup. Il a une force intérieure qui témoigne de sa passion et c’est pour ça que j’aime ce chat. Quel bonheur de l’entendre chanter par moments ! En tant que bras droit de Munkustrap, je n’en attendais pas moins. Quel dommage qu’il n’en soit pas sa doublure parce que sa voix est aussi communicative que sa danse.

Cats me bouleverse comme aucune comédie musicale ne m’avait jamais bouleversée. C’est du spectaculaire, du spectaculaire pendant 2h30. Je recommande vivement. C’est magique. Quelle harmonieuse, juste et gracieuse cohésion des artistes !

Un vent nouveau souffle sur Mogador avec Cats…

CATS –Le Musical à voir absolument !

Critique Dirty Dancing

Parce que jeudi 15 janvier 2015, un événement mythique qui transcendera la France entière pour les 25 prochaines années (c’est ce que Gilles Kellerman dirait en parfait showman qu’il est!) s’est produit au Palais des sports : la première de la comédie musicale Dirty Dancing. J’exagère mais ce qui est sûr en tout cas, c’est que le film original a transcendé et transcendera pas seulement la France mais le monde entier à tel point qu’en 2004, la scénariste du film Eleanor Bergstein décide de l’adapter en comédie musicale pour la première fois.  » Dirty Dancing the classic story on stage » trouve auprès du public un succès retentissant qui lui permettra de voyager dans différentes contrées. Et c’est ainsi qu’en 2015, la comédie musicale arrive pour la première fois en France après plus de 10 ans de tournées. C’est juste énorme ! C’est ainsi qu’elle a prit vie tout récemment et on ne peut que se réjouir de ce joyau qui va venir bercer générations toutes confondues à Paris mais aussi en provinces! Les comédies musicales à dimension internationales ont parfois beaucoup de mal à s’exporter hors de leur lieu d’origine. C’est donc avec impatience, excitation et surtout joie que tous les français doivent accueillir ce show. Toute l’équipe française qui a participé de près ou de loin à la création du musical peut être -déjà- fière puisqu’elle a réussi un succès semble t’il. Déjà plus de 200.000 places vendus et Dirty Dancing n’avais pas encore débuté. Et je pense que le succès de cette comédie musicale ne va cesser de croître. La production du spectacle a tout fait pour tenir son public en haleine et ne l’as pas promut avant que tout dans les moindres détails ne soit réglé. Les castings avaient débutés en mai il me semble et tout aurait pu être bouclé en 2 mois. Elle a fait cependant le choix de prendre son temps et on ne peut qu’approuver étant donné le résultat. Celle ci a d’ailleurs mis plusieurs mois pour trouver son Johnny et elle n’a révélé le casting qu’un mois avant le début des représentations. Un pari risqué ? Certainement pas ! Le spectacle est la seule renommée. Bien entendu les artistes sont des professionnels même s’ils n’ont pas autant de notoriété que la comédie musicale car pas besoin d’un « nom » lorsque le spectacle brille de lui même avec pour seule richesse le talent des artistes. Ces derniers sont tous incroyables et bluffants ! C’est pourquoi il est nécessaire de remercier toute la colonne vertébrale du spectacle en tout premier lieu. Les artistes eux, semblent avoir été réglés « comme des horloges » par David Eguren désormais metteur en scène (anciennement Big Ben sur La Belle et La Bête) . D’ailleurs, si l’on s’intéresse à la mise en scène, on s’aperçoit qu’avec David Eguren aux manettes, celle ci est un élixir envoûtant. Et cela se vérifie par l’hystérie générale dans la salle !;) Et on s’aperçoit que son humour a déteint sur le spectacle, un humour omniprésent. Tout quasiment réside dans la subtilité du comique de situation et du comique de gestes. Une ambiance légère mais aussi des moments forts, de quoi détendre le spectateur qui se croit lui aussi en train de siroter un cocktail dans cette pension Kellerman luxueuse. Pas de superficiel, le but premier n’est pas d’éblouir, en l’occurrence des décors simples, des artistes qui n’en font pas trop. L’histoire Dirty Dancing est suffisamment ancrée dans son temps, dans les mémoires qu’elle se suffit à elle même. On ne veut pas voir une copie conforme du film mais seulement une approche différente qui « ressuscite » l’histoire mythique. La force de ce spectacle réside dans cette humilité. En faire moins pour en faire plus, pari réussi ! En somme une comédie musicale fidèle au film mais qui s’en détache pour en faire quelque chose de plus exotique ! Originale et dérisoire à la fois, on ne peut que rire.
Les répliques cultes ont elles aussi été soulignées pour accentuer le burlesque. Certaines répliques gardent leur intensité mais beaucoup d’entres elles sont prononcées avec une innocence et une naïveté qu’on ne cesse de s’esclaffer telles « l’homme est un loup pour l’homme mais surtout pour la femme » ou encore  » tu n’as pas besoin de courir le monde après ton destin comme un cheval sauvage  » .
Standing ovation pour les deux interprètes de Johnny et Bébé. Ceciles Mazeas est une merveilleuse Bébé, elle prend ce rôle très à cœur, un rôle qui semble lui convenir parfaitement. De l’autre côté, on trouve le bel éphèbe Corentin Mazo, amant de la reine Marie-Antoinette l’année dernière qui se transforme en icône des années 60 : le viril mauvais garçon Jonny Castle. Il est impossible de le comparer à Patrick Swazye, mais si l’on doit seulement le comparer au rôle, je dirais qu’il est un bon Johnny mais davantage doux clément et romantique. Mais on y croit et tout le monde semble séduit et conquis par ce beau et très bon danseur. Les autres protagonistes de la pension Kellerman sont tous aussi bons et ont eux aussi trouver de quoi apporter une touche personnelle à leur rôle. Ils ne cherchent pas à copier ce qui a été fait précédemment. C’est une belle réussite. Si je devais en retenir quelques uns je citerais Gilles Kellerman ( alias Thomas Langlet en « fils de patron » qui prend son rôle très au sérieux. Il accentue son côté nias, ridicule ce qui le rend très crédible) et Lisa Housemann ( sœur de Bébé, alias Tiffanie Jamesse. Je l’ai trouvé très charismatique. De plus, la chanson qu’elle interprète est un pur régal. C’est un personnage très intéressant parce qu’elle est l’antithèse de Bébé. Elle fait tout pour se faire remarquer et court après les garçons. Ce personnage « artiste raté » est fier d’interpréter sa chanson devant tout le monde. Ici Tiffanie arrive très bien à nous faire sentir ce caractère en opposition avec sa sœur, brillante de nature, discrète, réservée et humble. Bravo à elle puisqu’elle est paradoxalement sublime dans son ridicule. ) Puis je ne pas évoquer Dan Menasche l’année passée Lumière dans la Belle et la Bête ainsi que ces illustres pastèques ? On adore ce nouveau Billy et j’ai été particulièrement séduit par sa reprise de « In the still of the night ». Cette fois le chandelier se transforme en porteur de pastèques mais on retrouve un tantinet l’étincelle Lumière dans son jeu d’acteur.
Ce sont ces rôles là qui m’ont le plus marqués. Les autres rôles n’ont pas démérité notamment le couple Houseman qui est superbement valorisé par rapport à la version originale je trouve. Enfin je n’oublierais pas de saluer les performances des danseurs qui contribuent à la magie Dirty Dancing. Je pense au tableau « Do you love me » par exemple où ils nous embarquent dans des danses endiablés, des slows et des voltiges. Ils sont vraiment tous incroyables et miroitent à tour de rôle. En bref, si vous aimez Dirty Dancing avec ses danses, ses chansons et ses répliques cultes, foncez voir le spectacle au Palais des Sports jusqu’au 15 mars. Avec en bonus, une équipe artistique top, sympathique et je peux vous assurez que la qualité du show témoigne de leur travail, de leur passion, de leur talent. UN GRAND BRAVO À TOUTE L’ÉQUIPE DIRTY DANCING.

Be kind to unkind people

Hier, je suis allée sur Instagram lorsque j’ai vu cette photo « Be kind to unkind people. They need it the most ». Cela veut dire « soit gentil avec les personnes qui ne le sont pas, elles en ont le plus besoin ». J’ai trouvé cela tellement génial et je me suis dit qu’il fallait que j’en parle. Personnellement , je crois que c’est ce que je fais depuis toujours cependant simplement le fait de lire ses mots, cette façon de pensée m’a fait un bien fou. Je considère la gentillesse comme un acquis pour moi. Certaines personnes pensent que la gentillesse signifie être faible mais pas du tout. En société et confrontée au regard des autres, elle peut paraître comme faible et donc profitable à ceux qui le désirent. Je ne dis pas qu’être gentil signifie céder aux moindres désirs des autres. Il ne s’agit pas de cela. Il faut seulement savoir se comporter d’une gentille manière. La personne qui aura eu besoin de votre gentillesse pourra soit vous remercier soit en profiter. Dans les deux cas vous en tirez bénéfice. Dans le premier cas, vous accomplissez une noble action honorable à l’égard d’une personne et vous bénéficierez de toute sa gratitude. Cela aura pour but de contenter l’un et l’autre. Dans le deuxième cas, c’est vous seul qui tirez véritable profit de la situation. En effet, le profiteur croira servir son intérêt mais une fois qu’il a atteint son but, que fait il ? Il n’aura aucun scrupule à ne plus avoir votre amitié et sa conscience lui soufflera qu’il n’a pas réussi par lui même, qu’il n’a pas été honnête et donc qu’il a triché en quelque sorte. Cette seule pensée l’effraiera et le rendra malheureux. Vous en revanche restez intègre à vous même. Même si par la suite, vous vous rendrez compte que cet ami vous a trahi, vous aurez toujours la possibilité de vous consoler en vous disant que vous êtes resté fidèle à vous même. Votre conscience ne se reprochera rien, vous serez toujours en paix avec votre être. Voilà pourquoi il est nécessaire d’être gentil en toutes circonstances. Qu’importe qu’une personne nous fasse du mal, il faut rester fidèle à soi même et rester gentil avec cette personne parce que si vous ne faites pas cela, vous entretiendrez des sentiments négatifs à l’égard de cette personne. Les sentiments négatifs ne sont pas bon pour l’âme, la conscience et notre vie. On y trouve la rancœur, la jalousie, la méchanceté. Après avoir lu ces mots, effacez les de votre mémoire et imaginez un monde sans ces sentiments. Alors à cette condition, vous ouvrirez les yeux sur le monde qui nous entoure de la plus sincère, de la plus honnête, de la plus véritable des manières. C’est à cette condition que le bonheur jaillira et embellira votre vie comme les douces effluves de certains parfums si agréables.

Souvenirs… La Belle Et La Bête ♥ (Partie 3)

Si j’avais su jusqu’à quel point, jusqu’à quel prix allait-il m’en coûter… Peut être que j’aurai agi d’une autre manière. J’aurais dû voir la réalité en face. C’était si étrange… Une brume légère et particulièrement menaçante se tenait à mes côtés mais je refusais de l’admettre. Je ne voulais croire que ce que je me laissais entendre. Laisser, abandonner ce qui se révélait bénéfique au profit d’effroyables chimères. C’est drôle de voir comme il est simple de se laisser flotter à la surface d’un fleuve d’apparence paisible et de ne plus rien s’occuper malgré les dérives. Comme la douleur n’a cessé de m’effleurer lorsqu’un barrage s’est soudainement dressé. J’ai tant pleuré parce que je ne comprenais pas, ou plutôt ne voulait pas comprendre mais je ne désirais pas connaitre l’admirable et raisonnable vérité. Puis, j’ai eu le courage de le faire. La vérité était la suivante : je m’étais perdue en chemin et les espèces venimeuses demeurant là n’avaient point hésité à en profiter, le poison qu’elles répandaient s’insinuait doucement altérant mon moi profond, n’attendant qu’une chose : que je cède.

Juillet : Le mois de juillet allait avoir tout pour plaire en apparence. C’était les vacances, il faisait beau, j’étais libre. Le 1er juillet, j’ai succombé à la tentation d’aller à nouveau au spectacle. Il faut dire que c’était une date particulière. Et ça arrivait assez rarement. Yves faisait sa dernière en Le Fou ce soir là. Le voir doubler en Le Fou me tenait particulièrement à cœur parce qu’en plus d’être un danseur hors pair, il chantait vraiment bien. C’était étrange au début de le voir dans ce rôle parce qu’arriver à se détacher de l’interprétation d’Alexandre est très difficile. C’est évident lorsque qu’on parle de la comédie musicale d’associer Alexandre au personnage de Le Fou. Il l’incarne dans tout les sens du terme. Je crois que je n’ai jamais vu un artiste avoir autant de présence scénique. C’est « fou ». Mais Yves a très bien tenu son rôle. C’était amusant de constater la différence qu’il y avait entre ces deux Le Fou et particulièrement lorsqu’il crache ses dents. J’aimais énormément Yves en tant que chanteur et j’ai aimé son Le Fou ce soir là. Il ne pouvait en être autrement puisque j’appréciais énormément l’artiste qu’il était. Je n’ai eu aucune déception à le voir doubler. C’était au contraire tellement agréable de le voir sur scène dans ce rôle parce qu’Yves n’avait pas souvent l’occasion de doubler et d’être un des rôles principaux. J’ai été vraiment heureuse de le voir briller ce soir. Il a beaucoup de mérite.
Le 3 juillet était une date particulière et je dois dire que le hasard a bien fait les choses. Didier regardait le show ce jour là et c’était Olivier qui deviendrait le charmant et plaisant papa de Belle. C’était une de ses occasions assez rares puisque ce n’était que la deuxième fois qu’il jouait Maurice. Je ne devais pas y aller parce que je ne pouvais voir le spectacle tous les jours. En général, je partais vingt à trente minutes avant que le show ne commence. Il était relativement tôt lorsque nous nous sommes posé mes amies et moi sur les marches de Mogador, je dirais entre dix huit heures trente et dix neuf heures et alors que nous discutions un couple s’est approché de nous et nous a demandé si nous avions nos places. Mes deux amies acquiescèrent à l’unisson. En revanche, je n’en avais guère et je le leur fis savoir. Ils voulurent négocier un prix cependant je n’avais pas grand chose sur moi. À ma grande surprise, ils me l’offrirent. Je n’en revenais pas ! J’allais voir une représentation unique en son genre et la gentillesse de ce couple m’avait profondément touchée. Environ vingt minutes avant la représentation, nous croisâmes Didier qui était avec son appareil photo. Il tenait à immortaliser sa visite à Mogador si je puis dire. Bien entendu, il fut tout aussi honnête que Maurice puisqu’il ne prit aucune photo pendant la représentation ! Quant à moi, je ne l’avais pas ce jour là. Je parle de mon appareil photo bien évidemment… Tout se passa pour le mieux et Olivier fut un très bon Maurice. J’étais tellement heureuse d’avoir pu assister à cela.
Je continuais à aller à Mogador très souvent. Le 10 juillet, j’ai eu mes résultats du bac. J’avais été surprise. Ils étaient largement satisfaisants. Je l’ai annoncé à Grégory le lendemain qui m’a félicitée.
Une de mes amies m’avait dit qu’une ancienne de la troupe devait revenir en juillet pour jouer les dernières représentations. J’avais déjà eu connaissance de son nom et j’avais hâte de la rencontrer, je ne sais pas vraiment pourquoi en fait. Je m’étais renseignée sur son parcours et j’avais vu une de ses prestations sur YouTube (et j’avais trouvé cela incroyable). Cette artiste qui devait revenir était Eléonore Pancrazi. Je l’ai rencontrée le 12 juillet. J’ai été la voir pour lui dire quelques mots et j’ai vraiment été séduite par la personne qu’elle était. Depuis notre rencontre, je n’ai cessé d’aimer l’artiste aussi. Si je devais citer une autre personne un peu particulière à mes yeux autre que Gregory, je pense que je citerais Eléonore. Elle a tant de talent, tant de jolies choses à transmettre et à dire, ainsi que beaucoup de gentillesse et de générosité. Je suis si honorée de la connaitre.
Le lendemain, 13 juillet à été un jour qu’on pourrait qualifier de maussade. Il a fait très beau mais il y eut une averse pour le coup assez prononcée. Jeremy était resté quelques temps avec nous sous cette pluie incommensurable. Il nous avait dit que nous étions folles de rester ainsi. Quelque uns ont attendu que l’averse cesse pour sortir puisqu’ils n’avaient pas de parapluie comme Eléonore et Gregory. Ce soir là, toute la troupe était invitée chez Didier pour voir un match de foot étant donné que c’était la finale de la coupe du monde. Je n’ai pas du tout aimé cette journée parce que j’ai ressenti beaucoup de tristesse, d’incompréhension et de colère face au comportement d’une personne que j’appréciais. Cela m’a vraiment déstabilisée parce que cet enchevêtrement d’émotions ne m’était pas habituel. Je me suis surprise moi même car je ne me suis plus du tout reconnue. Je comprends maintenant que j’aurais dû faire plus attention aux personnes que je côtoyais puisque l’une d’elle m’a énormément influencée et manipulée. Cette dernière m’encourageait à éprouver des sentiments négatifs comme l’indignation, la colère, la tristesse, la jalousie. En conséquence, je pense que quelques uns ont dû me prêter une personnalité qui n’était guère la mienne. Qu’on ne se méprenne pas, je ne blâme personne. Je crois qu’il s’agissait là d’un mal pour un bien puisque j’ai énormément appris de mes erreurs. J’ai réalisé plus tard que tout cela était tellement insignifiant face à d’autres épreuves de vie, bien plus difficiles à appréhender et enfin à surmonter. J’ai toujours eu tendance à accorder trop d’importance à ce dont je faisais l’expérience. J’ai appris justement à désacraliser tout cela parce que je voyais qu’autour de moi on ne donnait de l’importance qu’à ce qui en valait la peine. On ne s’entêtait pas à ressasser le passé à propos d’événements moindres. J’ai acquis cela en méditant sur ce que je voyais et je fais de mon mieux pour ne pas l’oublier.
Le 14 juillet, lui fut bien meilleur ! J’ai passé ma soirée en compagnie de Gabriella au Carré Parisien qui jouait en compagnie de Leonora un petit spectacle se nommant « la cantatrice chaude ». Et quelle soirée absolument délicieuse ! Il y en avait beaucoup de la troupe venue applaudir cette chère Madame de la Grande Bouche. Il y avait Ludovic, Floriane, Alexis, Eléonore, Mathieu, Bruno, Christine, Alexia, Didier et Dalia. Comme j’avais aimé ! C’était vraiment léger, comique et très bien orchestré. A la fin, j’ai bien entendu pu discuter un moment avec la sublime diva. J’avais ramené mon appareil photo afin de lui faire de jolis souvenirs de la soirée. J’ai eu l’agréable surprise qu’elle me demande de prendre une photo d’elle et de ceux de la troupe venus la supporter. J’en ai vraiment été très touchée et très honorée. J’ai immortalisé ce moment du coup et à chaque fois que je regarde le cliché, il n’y a que de jolis souvenirs qui me viennent à l’esprit. Ce 14 juillet, c’est aussi la première fois que j’ai rencontré Ludovic qui faisait partie de la troupe mais que je ne connaissais pas du tout. Je ne savais pas alors qu’il deviendrait important pour moi à tel point que je l’ai mis en fond d’écran ! Plus sérieusement, c’est quelqu’un que j’apprécie beaucoup. En rentrant chez moi, j’ai posté un petit mot sur Facebook à Gabriella pour la remercier encore une fois pour cette folle soirée ! Je n’en sais pas la raison, j’en avais juste ressenti le besoin, c’est tout. Après le concert de Gabriella, juste avant que celle ci ne sorte, l’amie qui m’accompagnait a entendu ce que Camille disait. Elle s’est tout de suite tournée vers moi en me disant  » Gregory joue Lumière demain ». J’ai donc été au spectacle le lendemain!
Le 15 juillet a été…divin! Gregory jouait Lumière, j’allais donc le voir pour la cinquième fois dans ce rôle et c’était complètement dingue puisque ce n’était pas prévu. Et pour ajouter encore plus de magnificence à cette soirée, c’est Camille qui jouerait le rôle de Belle… Et la voir dans ce rôle, j’en avais tant rêvé. Je l’ai préférée dans ce rôle que dans celui de Madame Samovar. Elle a été sublime. Je pense que Grégory et Camille étaient touts les deux heureux de se donner la réplique. C’était un moment extraordinaire. J’ai adoré cette Belle rebelle ! Parce ce qu’elle l’était dans ce rôle et cela lui réussissait tellement bien. Après la représentation, j’ai pu réaliser la photo de mes rêves! C’était l’occasion où jamais. Yves n’était pas là en plus. Après avoir chaleureusement félicité Gregory, je lui ai demandé s’il était possible qu’on fasse une photo avec Joseph. Il m’a répondu tellement gentiment, puis l’a appelé. Me trouver au milieu de Gregory et Joseph a été fantastique pour plusieurs raisons. Premièrement, je rayonnais de bonheur et nous allions faire cette photo qui représentait tant pour moi… Deuxièmement, l’ambiance s’y prêtait, c’était une soirée spéciale : sa dernière ! Troisièmement, ils étaient beaux et mon appareil photo a fini par se déclencher ! J’ai encore une fois ressenti un beau sentiment de plénitude. Gregory avait été follement heureux de faire sa dernière. Il n’a pas hésité à partager sa joie avec Le Fou Alexandre en se tournant vers lui pour lui dire « bonjour monsieur « . C’est assez marrant lorsque qu’on sait que c’est l’inscription du t-shirt de Joseph.
Je n’oublierais jamais la dernière de Gregory… Ça devait se terminer comme ça ? Tout simplement ? Je n’arrivais pas à croire que je ne le reverrai plus jamais en Lumière. J’ai aimé ce qu’il a apporté au rôle… Il a été mon coup de cœur. Cela a été si dur d’admettre que c’était fini… Mais j’avais le plus important… Gregory continuait d’être sur scène et c’est ce qui était primordial pour moi. Je ne pouvais plus me passer de cet artiste, ne pas le voir danser m’était insupportable. Il y a eu de nombreux moments, de nombreux souvenirs et ce sont des trésors inestimables à mes yeux. Je ne rapporterai que ce qui me semble être nécessaire puisqu’il y tant de bribes de ces souvenances. Et toutes ont de l’intérêt pour moi et une signification particulière seulement je n’en saurais préserver l’intégrité si je l’exposais ici et c’est pour cela que je ne le dirais pas.
Gabriella donnait à nouveau une représentation de « la cantatrice chaude » le lendemain (16 juillet). Je ne tenais pas particulièrement à y aller parce que je l’avais déjà vu et que le lendemain du concert, je commençais une semaine de stage. Ce n’était pas raisonnable. Mais j’y suis allée finalement. Avant que le spectacle ne commence, un événement m’a profondément déstabilisée. Je n’oublierais jamais parce que je ne pensais pas que cela puisse se produire un jour. Je discutais tranquillement avec mes amis lorsque Mathieu Serradell est arrivé vers moi. J’ai été très surprise de voir que de nous trois, il avait choisi de s’adresser à moi. Il me salua poliment en m’informant qu’il avait lu mon mot sur Facebook concernant Gabriella (celui que j’avais écrit en rentrant de ma soirée du 14 juillet). Aussitôt, en entendant ces mots, j’ai cédé à la panique et une vague de chaleur m’avait envahi. Il allait me sermonner. Il continua en disant qu’il avait trouvé cela très bien écrit et que je devrais continuer en allant voir des pièces de théâtre. Aussitôt la pression accumulée se relâcha. J’étais ébahie, stupéfaite : Mathieu Serradell, assistant du chef d’orchestre de Mogador me disait cela à moi, simple et banale fan du spectacle. Il continua sur sa lancée. Trop éberluée par ses propos, je ne sus répondre que des stupidités. D’ailleurs, il est possible qu’il ait éprouvé des regrets d’être venu me dire ceci. Il est probable également qu’il m’ait trouvé bizarre. J’ai tout de même su le remercier et lui dire que j’étais très émue et touchée… Peut être trop émue en fait…
Été… Juillet… Et les souvenirs de toutes ces douces soirées… Des souvenirs parfois ternes mais joyeux en grande majorité! Escapades, promenades… J’ai passé beaucoup trop de temps à la recherche de ce que je n’aurais pas pu trouver. Je me suis rendue compte que la meilleur façon d’obtenir ce que l’on voulait, ce n’était pas de s’en rapprocher un peu plus davantage mais au contraire de s’en éloigner. Je passais beaucoup trop de temps à Mogador. J’y étais pratiquement tous les jours. Et ceux ci passaient beaucoup trop vite et la date fatidique du 27 juillet arrivait trop rapidement.
Si j’ai pu voir le spectacle une 12ème fois, c’est grâce à la mère d’un des petits Zip (David) Cécilia et je ne la remercierais encore jamais assez pour sa gentillesse. Son action reste dans mon cœur, je n’oublierai pas ce qu’elle a fait. J’ai passé grâce à elle une soirée éternelle. Cécilia avait deux invitations et les personnes censées l’accompagner s’étaient décommandées. Elle m’en a donné une et l’autre a été donné à Coralie que je ne connaissais guère encore, mais qui est devenue mon amie. Je m’en rappellerai toujours de ce 24 juillet. J’avais vécu l’accomplissement de ma quête à Mogador. Tout s’est passé comme il le fallait. J’ai fait la connaissance de Cécilia, qui est une personne formidable. J’ai passée une très bonne soirée en sa compagnie. Je considère cela comme un privilège, au sens où elle m’a offert une place mais surtout j’ai pu la côtoyer, partager un moment avec elle, en toute simplicité. Cécilia est si gentille, on sent à quel point elle est fière de son fils. D’ailleurs, pour lui prouver ma gratitude, je lui avais promis de prendre quelques photos de son fils sur scène. Toujours grâce à elle, nous avions eu les meilleurs places qu’il était possibles d’avoir (catégorie 1, rang M au centre). Et de là, j’ai pu faire des photos magiques. Pour parfaire la soirée, un invité d’honneur s’est assis à côté de nous, Vincent Niclo. Cécilia était définitivement la meilleure. Le petit Zip David a fait une très belle dernière. C’était tout à son honneur puisqu’il s’était cassé le poignet. Au final nous étions descendus devant la scène. J’ai capturé un joli moment de tendresse entre David et Dalia. Cette dernière lui faisait un bisou pour le féliciter de sa belle dernière. Cécilia est allée en backstages après car elle voulait que David fasse une photo avec toute l’équipe. Nous nous sommes donc rendus avec Coralie à la sortie des artistes. Nous étions tellement excitées. On comptait faire pleins de photos ce soir. Nous avons même eu droit à une photo de groupe avec Didier, David, Dan, Gabriella. La soirée s’est achevée mais qu’est ce que nous avions ri avec Coralie !
Le 26 juillet a commencé à être pour moi source de panique. J’avais décidé d’aller au spectacle le soir parce que c’était l’avant-dernière représentation et je n’avais pas été du tout à Mogador le 25 juillet… Je suis arrivée pour l’entre deux shows. J’ai remis une lettre à Grégory qui sortait de Mogador. Lorsqu’il est revenu, il y a eu un léger incident qui a failli coûter la vie à ma lettre. Je n’en dirais pas plus. Le soir est arrivé plus vite que je ne le pensais. J’avais d’ailleurs même acheté ma place deux ou trois minutes avant que le show ne commence. Cette avant-dernière représentation promettait beaucoup… Comme toujours, cela passait beaucoup trop vite. J’aimais ce spectacle même du balcon. Je m’en sentais tellement proche. Les exceptionnels et merveilleux musiciens jouaient et grâce à eux, grâce aux artistes se dégageait une aura si chaleureuse, sécuritaire. Je n’imaginais pas perdre cela. Au final, je suis descendue devant la scène bien évidemment. A la fin de celui-ci, Manon a pris la parole pour remercier ses partenaires de scène, ceux qui avaient fait partis de l’aventure. Tout le monde était si ému. Ce soir là, j’ai demandé à Gregory une ultime photo.
27 juillet ! Il fallait que nous soyons là tôt. Ils répétaient le final. Pour la dernière, touts les swings étaient sur scène. J’étais anxieuse et triste. C’était la dernière fois que j’allais voir Gregory, Yves, Joe… Et le spectacle. Nous avons vu les artistes arriver et c’était beau, simple. Dalia avait été une des premières à arriver. J’ai donné à certains une enveloppe avec une photo et un mot. La veille, j’avais réalisé que je tenais à toute la troupe dans son ensemble. C’est pour cela que je n’ai pas eu le temps d’écrire une parole à son entité. Je l’ai donc fait pour ceux dont j’avais une photo sous la main. Dalia a été une des premières à recevoir son enveloppe. Suite à cela, elle a eu une parole si touchante à mon égard. Je crois que j’aurais pleuré si mon anxiété n’avais pas été si grande. Dalia a été le soleil de ma journée qui s’annonçait difficile… Difficile ? Difficile ?! Il a fallu que tout s’arrête pour que je prenne conscience de ma dépendance au spectacle. Je m’en suis tellement voulue pour cela. Seulement là, à l’heure où le zénith brillait, je ne m’en souciais pas encore. Je pensais à Dalia que j’aimais tellement sur scène, je pensais à Gregory que je n’allais plus revoir, je pensais à Yves et à Joe qui partaient en Autriche qui étaient extraordinaires, qui s’en allaient, qui ne reviendraient pas ; je pensais à Antoine et à sa sympathie ; je pensais à Alexandre et à sa joie de vivre naturelle ; je pensais à Léovanie et à son histoire éternelle que je n’entendrais plus ; je pensais à Ludivine qui m’avait brûlé le doigt avec sa cigarette ; je pensais à Paula, le magnifique tire-bouchon ; je pensais à une silly girl hors du commun Sofia ; je pensais à Stoyan, un danseur épicé, talentueux et très prometteur ; je pensais à Angelo qui partait à Vienne ; je pensais à l’éclat et à la fraicheur de Virginie. Ses pensées n’ont rien de personnel, c’est une entité qui est La Belle et La Bête. Tout allait s’effondrer et je n’y pouvais rien.
Le zénith brillait ! Les sourires et les visages défilaient. Et puis ils sont arrivés, tous les trois ensembles. C’était la dernière fois que j’assistai à leur passage dans cette rue. Quelle peine ! J’avais un cadeau pour chacun d’eux. Je leur ai offert des T-shirts avec des photos et aussi un mot (sauf pour Gregory). Ils m’ont remerciée chaleureusement. Une amie m’avait conseillé de leur offrir à chacun un T-shirt. Je n’avais jamais fait ça auparavant et ça m’a paru étrange. Je n’aurais pas dû me laisser influencer parce qu’au final je n’ai pas trouvé que c’était une si bonne idée que ça. Cependant, je suis contente d’avoir vécue ce moment avec eux trois… Ils sont partis et je ne réalisais toujours pas que dorénavant tout serait différent. Nous avons attendus, attendus que touts les artistes passent un à un, puis qu’ils ressortent s’acheter une collation. Après des heures d’attentes, nous sommes allées nous chercher à manger à notre tour. L’heure fatidique approchait à grands pas. Il a fallu y aller. Le théâtre Mogador se situait dans la rue Mogador, au 25 précisément. Il m’en coûtait beaucoup d’y aller. Je me suis installée à ma place et… c’est tout. La salle était comble. La production du spectacle prenait place elle aussi. Les placeurs y étaient également en tant que spectateurs. Beaucoup de monde, beaucoup de gens importants. Tenter de prendre des photos relevait donc du suicide. Je devais profiter du spectacle, une dernière fois. Une dernière fois. Je n’arrivais guère à assimiler ces mots. Le premier acte a débuté, ils étaient tous si beaux… Les ovations retentissaient à chaque tableau. « C’est la fête » a conquis. Une fois de plus, avec l’émotion d’une dernière, le public a vibré. Parler de cette dernière est dure pour moi parce que tout ne s’est pas déroulé pour le mieux. De toute façon, je n’ai jamais beaucoup apprécié les dernières. Je ne m’attarderai donc pas sur cette journée longtemps. J’ai commencé à réaliser que c’était la dernière au deuxième acte… Je m’excuse. Je n’arrive plus à continuer à parler de cette dernière. Je renvoie donc ici à mon ressenti que j’ai écrit dans la nuit du 27 ou 28 juillet 2014 :
« 27 juillet…mon Dieu…et nous sommes déjà le 28. Pas de mots pour décrire cette aventure. C’était oufissime. J’ai côtoyé régulièrement cette troupe pendant 4 mois. C’était incroyable. J’ai vécu quelque chose de fort et je ne suis pas prête de l’oublier… Tout d’abord la troupe, quelle « Bête » de troupe, non sérieusement quelle équipe de dingue et je ne veux pas seulement parler du talent. Une vraie richesse au sein du cast, des univers et des nationalités tellement différentes. Une vrai richesse artistique et franchement qu’est ce que c’était beau à voir. Je n’ai pas envie d’écrire un roman mais parfois il est nécessaire de retranscrire certaines choses tant elles vous ont marquées. Je voudrais parler de cette dernière… C’était beaucoup d’émotions, peut être trop pour ce soir… Mais qu’est-ce que c’était bon quand même, c’était merveilleux. Un premier acte de feu où on voit des artistes plus toniques que jamais qui se lâchent. Merci pour ce beau 1er acte. Je me suis éclatée. C’est lors du deuxième acte que toute cette énergie contagieuse s’est transformée en émotion. Histoire éternelle, apprendre à l’aimer… J’étais très émue. Les premières larmes ont fait leur apparition. Simplement quelques larmes. C’était…indescriptible ! Quel osmose cette après midi, quelles bonnes vibrations dans la salle ! J’ai tout entendu, tout ressenti : applaudissements, vacarmes, paroles et même le silence qui parlait de lui même. Tout était solennel. Les larmes ont eu raison de moi après le spectacle. C’est arrive inopinément. Voir touts ses artistes sortir m’a émue car je me suis rappelée que chaque artiste de cette troupe était unique, le fait de savoir que certains partent à l’étranger aussi. Pour moi, on ne peut pas démanteler cette troupe, c’est comme démembrer une poupée ce n’est pas possible. Je ne sais pas si certains se rendent compte de combien il s’agissait d’une équipe de choc. Honnêtement, c’est dur de rivaliser avec cette troupe après ça. Bref, c’était fabuleux. J’ai passé de merveilleux moments. J’ai fait de belles découvertes artistiques. J’ai eu un coup de cœur. D’ailleurs, je remercie cette personne encore une fois pour avoir été adorable et d’avoir croisé ma route. Je n’aurais jamais pensé que j’aurais un coup de cœur dans ce spectacle. En bref, une aventure magnifique… Bravo à tout le monde, à toute l’équipe. J’ai eu la chance d’admirer ce spectacle 14 fois et chacune de ses séances a été particulière à mes yeux. Au delà du simple talent artistique, j’ai appris à connaître ces artistes humainement. Et je me suis très vite attachée à cette troupe. Maintenant, c’est d’autant plus dur de se séparer. Mais je n’oublie pas les souvenirs heureux. Je n’aurais jamais cru pouvoir m’attacher autant à une troupe. Bon je le dis : je vous aime. Tous. Merci à vous tous. Vous êtes géniaux. Je n’ai pas eu la chance de pouvoir dire au revoir à tout le monde ce soir alors je le fais ici. C’est ma façon de vous rendre hommage. Vive l’équipe de La Belle et la Bête – Le Musical ».

Voilà. J’étais admirative, fan de ce spectacle et ça me semble complètement dingue. Avec le recul, je prends conscience plus ou moins de ce qui s’est passé. J’omets beaucoup d’informations et si je le fais c’est parce que je sais qu’elles n’ont aucune pertinence ici. Parmi certaines informations non dites, il en ressort des souvenirs biens distinct des autres. Ce que j’ai vécu est unique. Malheureusement une ou deux personnes ont songé qu’elles pouvaient tirer avantage de la situation et de l’état où je me trouvais. La situation réside dans le rapport que j’entretenais avec les artistes. Je les connaissais. Certains m’appréciaient. Mon état lui, était figé et bercé par l’euphorie, l’exultation, la liberté, la passion qui m’animaient. Tout était donc propice, concordant pour certains esprits malveillants qui voulurent faire de ma personne ce que je n’étais pas. Comme il est facile de succomber lorsque les émotions s’en mêlent! On aura certainement médit sur moi. Je désigne par là ceux qui ont été témoins de ma passion dévorante pour La Belle Et La Bête. Ceci n’est pas un discours visant à faire polémique ! Je n’entretiens aucune rancœur à l’égard de personne. Si j’explique cela, c’est pour en mieux montrer que ma passion pour La Belle Et La Bête n’en a été nullement affectée. J’ai toujours conservé de mes souvenirs le meilleur qui soit. La preuve en est ici. Je ne raconterai pas mes souvenirs si je n’en concevais que du malheur. J’ai passé vraiment de très bons moments à voir le spectacle, avec les artistes, avec mes amies. Avant La Belle Et La Bête, je n’avais jamais été fan au stade où j’en suis arrivé. Je ne savais pas vraiment ce que je faisais, je ne maîtrisais pas mes actions ou mes émotions… Aujourd’hui, je pense pouvoir me le pardonner parce que je ne connaissais pas ce sentiment qui était d’être passionnée – intensément- d’un spectacle. Avant La Belle Et La Bête, j’avais déjà été fan d’une comédie musicale mais là c’était différent. Après La Belle et La Bête, j’ai appris à contrôler mes émotions, mon énergie et à les concentrer sur diverses autres choses. C’était bien mieux comme ça. J’ai évolué. Quel soulagement de ne plus éprouver cette stagnation restrictive ! C’est tout ce que j’ai dire à propos du revers de mon « aventure ». Après le 27 juillet, je n’ose vous dire combien il a été difficile de faire mon « deuil ». Je n’ai pas cessé de pleurer pendant deux ou trois jours. J’ai déprimé pendant tout le mois d’août. Heureusement que j’avais de belles photos pour me rappeler tout ça. Je vais clôturer ce récit par une note positive. Je ne crois pas avoir à dire plus, j’en ai déjà dit beaucoup.
J’ai aimé ce spectacle comme je l’ai pu. Il n’y a jamais rien eu de si sincère que ma passion pour La Belle Et La Bête… Ces souvenirs mystiques, forts, foudroyants resteront gravés pour jamais. Quelles soirées ! Quelles journées ! L’ivresse de mes escapades, l’odeur de lavandin, la brise légère de ce radieux Paris ressurgissent et je l’emporterais pour moi-même jusqu’à toujours.